Catégorie : Art & culture

Au 35^e étage de la nouvelle tour Steinway (inaugurée en 2021), en plein cœur de Manhattan, le studio de design d’intérieur Husband Wife a aménagé un luxueux appartement aux vues époustouflantes sur Central Park dans un style raffiné, éclectique et sans prétention.

Au 111 West 57th Street, face au poumon vert de New York, se dresse un gratte-ciel d’une finesse remarquable, la tour Steinway. Cet immeuble résidentiel ultra-luxueux haut de 435 mètres (le deuxième plus grand au monde dans l’hémisphère ouest) partage ses fondations avec le Steinway Hall, ancienne salle de concert et de vente de Steinway & Sons, désormais classée monument historique. Sur l’ensemble du 35^e étage (deuxième commande du promoteur JDS Development Group), les deux architectes du bien nommé studio Husband Wife signent l’aménagement d’un appartement de haute facture aux volumes imposants – 400 mètres carrés, 3,6 mètres de hauteur sous plafond. Brittney Hart et Justin Capuco se sont ingéniés à faire dialoguer le design avec le bâtiment et les vues sur Central Park et la pointe sud de Manhattan. « Nous avons été fascinés et très influencés par le Steinway Hall, espace Art déco magnifiquement préservé dont la traversée offre une expérience hors du commun, très romantique et cinématographique », racontent-ils. 

Un intérieur raffiné et accueillant

Dans ce luxueux cadre de vie, « l’appartement de la tour Steinway » fait la part belle au raffinement et au confort. Un intérieur à l’atmosphère mondaine et cosmopolite inspiré d’un couple mythique du cinéma, Cedric Gibbons, célèbre chef décorateur à la Metro Goldwyn Mayer, et l’actrice mexicaine Dolores del Rio, dont la demeure hollywoodienne de style Art déco reflétait l’approche à la fois sophistiquée et décontractée que les architectes souhaitaient donner au projet. Dans ce discret hommage, ils se sont concentrés sur des matériaux élégants et pleins de caractère, tels les surfaces laquées noires, le bois d’eucalyptus verni, le bronze, le verre fondu, le raphia et la toile de ramie. Pour apporter de l’intimité à ces grands volumes, le duo a recréé des « pièces dans les pièces », notamment à travers le travail des plafonds : « Nous y avons créé des incrustations subtiles de feuilles d’or blanc, et intégré dans la structure des étagères murales qui encadrent les espaces », précisent-ils. 

Une place à l’inattendu

Après avoir posé ce cadre à l’esthétique forte, le studio à la sensibilité joueuse a distillé une myriade de détails surprenants pour créer un projet sophistiqué sans être pour autant prétentieux. Des appliques circulaires se révèlent notamment dans la tête de lit de la chambre master, un meuble-bar se cache dans la structure en bois du canapé, ainsi qu’un vase intégré dans l’étagère en loupe de noyer de l’entrée. « Nous faisons toujours une place à l’inattendu. Nous laissons les nombreuses pièces et objets évoluer au fil de la découverte. La spontanéité donne vie au projet d’une manière imprévisible – pour nous, c’est le côté poétique du design. Amusons-nous ! », s’enthousiasment les co-fondateurs. 

Références historiques et modernité

Dans cet écrin, Husband Wife fait dialoguer les époques et les styles avec un grand sens de l’équilibre. « Nous aimons superposer des pièces de différentes époques et origines. C’est important pour définir les espaces et créer une ambiance », explique Brittney Hart. Le passé, le présent et le futur s’y mêlent avec fluidité, comme si cet intérieur avait été aménagé au fil du temps. « Dans notre approche du design, il y a un côté spontané qui se nourrit de la vie. Nous cherchons à créer des espaces bien étudiés et chaleureux, mais aussi évolutifs et pensés pour le long terme. » Aux meubles conçus par le studio de design d’intérieur dans l’esprit des années 1930 sont associés des pièces vintage dont certaines empruntent aux décors de films de science-fiction que le couple aime tant, de l’artisanat africain et d’objets issus du monde entier, ainsi qu’une importante collection d’œuvres d’art réunie grâce au concours de la curatrice Valérie Cueto (Cueto Art Advisory). En mariant la géométrie des formes et la richesse des matériaux de l’Art déco, les lignes futuristes du design Space Age et de pièces des années 1970 et 1980, les architectes designers proposent une interprétation à la fois sérieuse et ludique des espaces. 

Perspectives et sens de l’équilibre

Dans ce projet né d’un échange fécond entre les créateurs, Husband Wife a instauré un dialogue constant avec les vues extérieures, telle la couleur des canapés du salon répondant aux détails Art déco du toit de l’Hôtel Barbizon-Plaza, ou encore les murs crème en clin d’œil à la façade. Chaque espace célèbre une géométrie sophistiquée et une décoration à la fois nostalgique et futuriste à travers un prisme new-yorkais contemporain. « Le design apporte une pointe de tension en ce qu’il intègre des références historiques tout en apportant de la modernité. Nous voulons une dualité dans tout ce que nous faisons. La nuance plutôt que le dogme », affirme le couple, qui revendique une approche à la fois moderne et post-moderne du design.

> Retrouver l’article et toutes les photos sur le site d’AD

Fondée en 2016 par Aurélie Jansem, Sofia Buron et Yasmine Auquier Buron, Rivedroite Paris est une marque de mode 100 % écoconçue qui vise à faire bouger les lignes dans l’industrie de la mode.

« Au durable de devenir le nouveau standard de la mode » : telle est la vision de Yasmine Auquier Buron, cofondatrice de Rivedroite Paris. Les sacs et accessoires de la marque eco-responsable sont à la fois mixtes et intemporels. Pour proposer une mode à fort impact social et environnemental, ils sont également fabriqués à partir de matières premières recyclées ou upcyclées, par des couturiers en réinsertion. « Nous avons voulu concilier nos exigences environnementales et nos engagements sociaux en faveur d’un modèle de production éthique », explique Yasmine Auquier Buron.

« Il faut changer le système »

C’est au Maroc que Rivedroite Paris se fournit en matières premières auprès de marques et d’usines de prêt-à-porter et les transforme sur place. « Nous upcyclons du denim, du velours côtelé… Quand ce n’est pas possible, nous recyclons. Nous avons aussi développé notre propre coton recyclé car cette matière naturelle constitue un terrain de jeu créatif sans limite », détaille la dirigeante.

Les modèles sont confectionnés à Casablanca par des couturiers expérimentés, autrefois en situations professionnelles précaires. Rivedroite leur offre un accompagnement pour créer leur propre atelier à travers un programme de micro-crédit, d’assistance administrative, d’accès à de la formation et à une protection sociale. « En les aidant à retrouver un emploi stable et une autonomie financière, l’idée est de leur insuffler l’esprit entrepreneurial pour qu’ils prennent leur destin en main ».

Autres particularités de la marque : elle fonctionne sans stock et ne propose pas de remise client. « Nous ne gonflons pas les prix avant de faire des soldes et pensons qu’il faut changer ce système », affirme-t-elle. Les cofondatrices organisent tout de même des braderies solidaires, afin de soutenir le travail d’associations qui œuvrent sur le terrain en faveur de l’environnement, de la réinsertion professionnelle et contre la violence faite aux femmes.

« Nous aidons d’autres marques à entrer dans le monde du durable »

Membre de La French Touch, l’entreprise fabrique également pour d’autres acteurs du monde de la mode. « Nous aidons d’autres marques à entrer dans le monde du durable en co-créant des produits et/ou des cadeaux d’affaires », explique Yasmine Auquier Buron. Les cofondatrices accompagnent également de jeunes créateurs d’entreprise à lancer leur projet et à le développer. Un soutien dont elles auraient aimé bénéficier au lancement de leur marque. « Si je devais refaire Rivedroite, je prendrais le temps de demander des conseils et d’être mentorée », précise-t-elle.

Aujourd’hui, l’entreprise soutenue par Bpifrance poursuit son développement autour de trois axes : l’innovation dans la recherche de nouvelles matières durables, le renforcement de sa chaîne d’approvisionnement en déployant le réseau de couturiers et en digitalisant le système et l’accélération de sa présence sur les écosystèmes digitaux.

> Lire mon article sur le site de La French Touch

Au cœur de la forêt atlantique, dans l’État de São Paulo, cette maison de vacances aux lignes simples et aux volumes imposants est l’œuvre de l’architecte et designer brésilien Guilherme Torres. 

À une centaine de kilomètres de São Paulo, se trouve un petit paradis de verdure pour les amateurs de calme et d’un lien retrouvé avec la nature. Pour un couple et ses deux adolescents, Guilherme Torres a conçu cette maison de campagne comme une invitation à la détente et à la contemplation, loin du tumulte d’une des villes les plus peuplées au monde. Cette famille, qu’il compte parmi ses clients depuis dix ans et dont il a conçu la première maison, lui a donné carte blanche. « Je ne voulais pas d’une maison traditionnelle, c’est pourquoi la Jatobá House est totalement ouverte sur la nature environnante. C’est comme si on vivait au beau milieu d’un jardin. L’idée est d’y vivre une vie saine, joyeuse et durable en communion avec la nature », explique l’architecte, qui s’est appliqué à explorer l’extérieur et la lumière naturelle, soulignant la relation entre architecture et paysage. « On y ressent profondément les saisons. L’idée est d’explorer le meilleur du Brésil : comme on peut avoir les quatre saisons dans la même journée ici, l’idée était de créer un équilibre. On peut tout ouvrir lorsqu’il fait très chaud, puis utiliser le séjour comme un jardin d’hiver et fermer les fenêtres à la nuit tombée quand les températures dégringolent ». Les jours de pluie, les stores intégrés apportent une ambiance plus cosy.

Terre battue, bois brut et basalte

Adoptant les volumes typiques des résidences brésiliennes contemporaines, cette spacieuse maison se déploie en cinq grands édifices cubiques blancs, dont chacun a été aménagé comme une suite indépendante afin d’offrir confort et intimité à chaque membre de la famille. La Jatobá House s’inscrit dans le plus grand respect de la nature, omniprésente dans les matériaux, les couleurs et les textures. Attentif à l’empreinte écologique de ses constructions, l’architecte a fait la part belle à trois matériaux – la terre battue, le bois lamellé croisé et le basalte – et n’a utilisé que des matériaux locaux « car c’est ce qu’il y a de plus durable ». Un long mur en terre battue, constitué de sable provenant du site même, a été érigé tout autour de la maison selon une technique millénaire. « J’ai choisi de la terre pour créer ce mur monolithique qui fait partie intégrante de la structure », explique Guilherme Torres. L’architecte a remplacé le béton, qui forme habituellement la dalle et structure les constructions, par du bois brut. La structure des murs des édifices est dénuée de poutre, toute l’infrastructure ayant été construite en bois lamellé croisé (qui se présente sous la forme d’un panneau constitué de plusieurs couches de bois croisées à haute température et collées entre elles). Alimentée à l’énergie photovoltaïque, cette maison est ponctuée de bassins de rétention d’eaux pluviales accueillant des poissons. Son sol est entièrement recouvert de fragments de basalte, un matériau prédominant sur la Lune. En résulte « une sensation de flottement comme sur un sol lunaire, avec un sentiment de calme, loin de toute civilisation ». 

Plaisir et dépaysement 

Suivant un principe d’« intégration totale », le séjour se compose d’une salle à manger et d’un salon séparé par un large comptoir multifonctions recouvert de granit flammé. Guilherme Torres a conçu le salon TV dans une pièce en contrebas, aménagée avec un grand canapé composé de futons. « Cela me rappelle mon enfance. On a une sensation différente quand on est en-dessous du niveau du sol. Nos perspectives changent. Je trouve ce principe très amusant ! », explique-t-il. L’architecte a également aménagé une aire de loisirs comprenant un sauna, un spa, ainsi qu’une piscine sur trois niveaux surmontée d’une cascade. Chacun de ces espaces bénéficiant de vues privilégiées sur la nature dans sa plus simple expression. 

Mobilier d’auteur et œuvres d’art indigènes

L’ensemble du mobilier est signé de pièces d’auteurs, les deux pièces maîtresses étant la table Supernova et la chaise Orbe issues de la collection Orbe de Guilherme Torres. « Je savais qu’elles s’adapteraient parfaitement à la maison. J’ai dessiné la plupart des pièces – elles font partie de ma collection permanente mais j’ai appliqué une texture ou des proportions particulières. J’ai un peu tout redessiné, c’est quelque chose que j’adore faire ! ». Guilherme Torres a sélectionné d’autres pièces de designers brésiliens, ainsi que des œuvres d’art réalisées à la main par des indigènes pour créer des compositions uniques, qui se marient aux couleurs et aux matériaux bruts comme le bois rustique et la brique. « J’adore la simplicité de ces œuvres faites par des Indiens. J’aime les mettre en valeur, c’est important pour moi », affirme l’architecte, épris de cette maison dont il est très fier.

> Retrouver l’article et toutes les photos sur le site d’AD

Dédié à la création de mobilier d’art, le studio Ymer&Malta revisite le patrimoine français en repoussant les limites de la création contemporaine. La co-fondatrice et directrice artistique Valérie Maltaverne nous fait découvrir l’écrin de ses collections, dans sa maison du XVII^e arrondissement parisien. 

Dans le quartier parisien des Batignolles, la co-fondatrice du studio Ymer&Malta accueille dans son showroom, au rez-de-chaussée de sa maison, clients et visiteurs – tous « amoureux du beau travail ». On y contemple ses pièces d’exception, élégantes et poétiques, comme de véritables œuvres d’art. « Ici, on travaille toutes les couleurs, on fait le montage. C’est aussi un lieu où l’on reçoit », indique Valérie Maltaverne. Le soir venu, cet étage entièrement composé de pièces d’Ymer&Malta redevient un lieu de vie familiale, à laquelle les trois niveaux supérieurs sont dédiés. Portée par la recherche de l’excellence, cette autodidacte s’est toujours intéressée aux matériaux et aux savoir-faire : « Il y a quelque chose de très concret dans les arts décoratifs. Cela demande une exigence totale », explique-t-elle. Entre héritage et innovation, ses pièces de mobilier font déjà partie du patrimoine : sur la centaine de pièces produites par Ymer&Malta au cours de la dernière décennie, une soixantaine ont été exposées par des musées et 26 ont rejoint les collections permanentes du Musée des Arts Décoratifs de Paris, du Centre National des Arts Plastiques ou encore du Centre Pompidou. 

Une approche inédite des arts décoratifs

Valérie Maltaverne a toujours été à l’origine de ses productions. « Je donne l’idée », dit-elle. Cette ancienne productrice dans le cinéma et la télévision, passée par le dessin animé (elle a produit les contes de fée revisités par 26 auteurs de bande dessinée, primés « meilleure série d’animation » au Cartoon Forum et nominé aux Emmy Awards), n’a de cesse d’innover dans les savoir-faire qu’elle aborde. En tant que pionnière dans la modernisation et la rénovation des savoir-faire français, Valérie Maltaverne fait souffler un vent nouveau sur les arts décoratifs, à commencer par une manière inédite de travailler. Inspirée de son ancienne carrière, elle tient les rôles tout à la fois de productrice et de réalisatrice, proposant pour chaque pièce un scénario, s’appliquant à « bien faire jouer » les designers et veillant à la bonne mise en œuvre technique par les artisans d’art, sans jamais perdre de sa ténacité. 

« Le cinéma est une très bonne école pour comprendre qu’il faut un scénario et ne jamais lâcher – ni sur la beauté de la pièce ni sur le savoir-faire, pour l’emmener là où vous voulez allez », Valérie Maltaverne

Un regard neuf sur les matériaux

Impossible n’est pas pour Ymer&Malta. Valérie Maltaverne ne cesse de repousser les limites techniques et esthétiques des matériaux. Sous son œil avisé, ils embrassent de nouvelles formes d’expression : le marbre devient « poids plume », la marqueterie est revisitée, la tapisserie quitte sa muralité pour s’exprimer tout en volumes sur une pièce de mobilier… Dans chacun de ses projets, l’innovation est reine, grâce au concours des meilleurs artisans, sans cesse mis au défi. « Il nous faut toujours les meilleurs artisans et les compétences les plus pointues dans tout ce que l’on fait », souligne-t-elle. En hommage aux traditions artisanales et à l’art de vivre qu’elles représentent, Ymer&Malta travaille à les faire entrer dans notre époque. Quand elle créé une lampe pour le musée Noguchi, Valérie Maltaverne insiste pour faire une pièce en résine sans joint – ce que tout le monde estime impossible puisqu’elle est moulée. La solution ? Le rotomoulage. « On trouve toujours la solution », dit-elle.

« J’emmène le patrimoine dans le XXIe siècle : c’est ce qui me passionne »

Un travail d’équipe tourné vers l’excellence

Longs allers-retours sur le dessin, recherche et expérimentations sur le bon matériau qui s’adapte à la pièce, maquettes et prototypes rythment le processus créatif à quatre mains avec le designer puis l’artisan. « On est capable de recommencer un dessin pendant un an jusqu’à ce qu’il soit parfait. Avec ma culture du cinéma, je peux travailler pendant trois ans sur un seul et même sujet, emmener les choses là où on ne les a jamais vues et avoir cette proximité avec les artisans – aller les voir dans leur atelier me passionne », raconte la directrice artistique, particulièrement investie dans l’ensemble du processus créatif. Après avoir créé une collection autour du marbre et de la marqueterie, elle a la chance d’être repérée par la Cité Internationale de la Tapisserie : « Ils avaient bien compris qu’un designer n’arrivait pas seul à ce genre d’excellence et à un dessin aussi abouti. Ces échanges permanents permettent à tout le monde de progresser. » Cinq ans ont été nécessaires pour créer la collection autour de la tapisserie d’Aubusson – un travail inédit dans les arts décoratifs. 

Des musées aux particuliers

Outre son travail muséal, Valérie Maltaverne réalise des pièces de mobilier sur mesure pour des particuliers – collectionneurs et amoureux du savoir-faire français. Ainsi, elle créé dans de « très, très belles maisons » des univers raffinés et élégants propices à la contemplation. « Chez Ymer&Malta, rien n’est jamais bling-bling. C’est de l’art ! » 

44 rue la Condamine, 75017 Paris (uniquement sur rendez-vous, entrée libre le jeudi entre 10h et 19h), https://www.ymeretmalta.com 

> Retrouvez l’article, ainsi que toutes les photos, dans le magazine AD

Inscrits au cœur de musées parisiens, Monsieur Bleu, Loulou et Girafe comptent parmi les plus beaux restaurants de la capitale. Pour AD, l’architecte Joseph Dirand revient sur l’aménagement de ces trois projets dans des écrins d’exception.

Joseph Dirand a le chic pour décorer les restaurants les plus en vue de Paris : Monsieur Bleu au Palais de Tokyo (depuis 2013), Loulou au Musée des Arts Décoratifs (depuis 2016) et Girafe au Palais de Chaillot (depuis 2018). S’attaquant un à un aux poids lourds des monuments parisiens (avec Gilles Malafosse et Laurent de Gourcuff), il y sème tout une panoplie de références, « plutôt classiques », qu’il réinterprète à sa guise. « Nous avons la chance de travailler dans des bâtiments extraordinaires. L’idée n’est pas de créer des lieux fantaisistes comme une performance éphémère, mais plutôt de s’inscrire avec respect dans l’histoire d’un édifice et de lui rendre hommage par un dialogue fécond, tout en apportant un sentiment de bien-être dans un esprit presque résidentiel. » Le style Joseph Dirand ? « Minimal ornemental, même s’il évolue vraiment en fonction des lieux et des contextes ». Si son travail de fondation est d’une grande sobriété, son architecture est peu à peu devenue bien plus ornementale et chaleureuse, flirtant avec un style Art déco revisité.

« Plus qu’un décor, il s’agit de créer une émotion participant à l’expérience d’un lieu »

Monsieur Bleu, le dandy des années 1930 

Pour sa première expérience de restaurant, l’architecte à la tête de son agence depuis 15 ans a mis sa patte dans le Palais de Tokyo, un de ses bâtiments préférés à Paris (« J’adore ses colonnades mélangées de formes arrondies, les portes sculptées en bronze, les bas-reliefs… », confie-t-il). Cet espace monumental s’est offert à lui dans des proportions magnifiques – 900 mètres carrés avec 9 mètres de hauteur sous-plafond –, alors tout en béton. Ne disposant d’aucune image d’archives pour l’aider à en structurer la composition (ce palais construit en 1937 pour l’Exposition Universelle n’a presque pas été utilisé à l’époque), Joseph Dirand s’est inspiré de l’architecture viennoise, « assez radicale ». Il a ainsi travaillé sur des formes rigides : structures en marbre vert accueillant les banquettes en velours, quadrillage au sol comme une trame dans l’esprit de l’architecture des années 1930, ligne d’horizon à hauteur des yeux pour donner une perspective, cannelures verticales qui accentue l’effet de hauteur, plafond noir et murs blancs inspirés d’Adolf Loos, luminaires signés Michel Boyer inondant l’espace d’une douce lumière… Et recréé des sous-espaces, notamment des alcôves et un bar central en laiton doré.

« Monsieur Bleu a été un projet complètement fascinant, un vrai symbole », se souvient-il.

En accordant autant de soin à la décoration et à l’ambiance qu’à l’assiette, ce restaurant a bousculé les codes. Un lieu iconique qui a réveillé Paris, où les genres et les âges se mélangent aujourd’hui dans l’esprit de la brasserie. « Quand j’ai vu l’impact que mon travail d’architecte pouvait avoir sur les gens, cela m’a complètement passionné. Nous avons eu envie de continuer. »

Loulou, l’appartement de collectionneur

Après l’éclatant succès de Monsieur Bleu, le diplômé de l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Paris-Belleville s’est vu confier la décoration du restaurant du Musée des Arts Décoratifs. Loin du gigantisme du premier établissement, ce projet prend place dans un lieu non moins « magique » : le Musée du Louvre (« la maison de la culture »). Pour contrebalancer ces volumes plus réduits, Loulou a été conçu dans l’esprit d’un appartement de collectionneur. Il a pris le parti de décorations très chargées, différentiées selon les deux étages.

« Loulou est très décoratif. Ce qui est très intéressant dans mon métier, c’est que je dois me mettre à chaque fois dans la peau de quelqu’un pour inventer un caractère. »

Chez Loulou, Joseph Dirand a superposé des éléments décoratifs inspirés notamment de Serge Roche, dans un savant mélange des genres : meubles de Saarinen, peintures et cannages muraux, sols en marbre noir et blanc, jeux de miroir, banquettes aux piètements en bronze en forme de coquillages… Comme un hommage aux grandes heures des Arts Décoratifs français.

Girafe, l’Art déco réinventé

Deux ans plus tard, l’architecte signe son troisième opus – Girafe – niché dans le Palais de Chaillot aux « volumes spectaculaires ». « Après Loulou, restaurant haut en couleurs qui marie les styles et les détails, nous revenons à un projet très symétrique, selon la construction des plans du bâtiment d’origine », note l’architecte. « L’idée était de travailler sur un espace très chaleureux, tout en bois, qui emprunte au vocabulaire Art déco en apportant un côté sophistiqué » grâce au travail sur les petites lignes de bronze, les inserts de tissus, les banquettes arrondies, les camaïeux de beiges… « Sous l’effet de la lumière, l’espace se teinte d’une couleur miel très agréable », souffle-t-il. Ces détails de bois et de bronze évoquent le style de l’appartement d’Auguste Perret, dans le 16^e arrondissement.

« Nous avons travaillé sur un lieu à la fois sensuel et sophistiqué, un peu tiré aux cordeaux. »

Au 9^e étage de la Cité de l’Architecture et du Patrimoine, Joseph Dirand a conçu La Suite Girafe quelques années plus tard. Ce « club feutré à la James Bond, aussi chaleureux que masculin », tout en bois foncé, est empreint des mêmes références 1930-40 qu’il aime beaucoup et s’emploie à réinterpréter.

Un nouveau projet en cours au Grand Palais

« J’ai été très fier de m’inscrire à l’intérieur de ces bâtiments », déclare Joseph Dirand. « Si tous ces projets me tiennent tant à cœur, c’est qu’ils m’ont permis d’offrir dans ma ville des lieux ouverts à tous, où les gens prennent du plaisir et se construisent des souvenirs. C’est particulièrement satisfaisant pour un architecte. » Sans oublier les « extraordinaires terrasses » de ces trois restaurants, d’où l’on peut admirer des « panoramas fascinants » sur la ville : l’occasion pour ces lieux branchés de proposer des expériences différentes au gré des saisons.

L’architecte parisien prépare actuellement un nouvel opus au sein du Grand Palais. « Je suis très excité à l’idée d’ouvrir une nouvelle adresse, qui racontera une histoire encore très différente tout en faisant partie de la même famille ». Porté par « cette énergie qui fait vivre l’architecture d’une manière indépendante », il se tourne de plus en plus vers des projets de restaurants et d’hôtels. « Il ne restera plus que la Tour Eiffel ! », badine-t-il.

> Retrouver l’article sur AD

Au sein d’une propriété de trois hectares à Marrakech, l’agence Pinto a décoré une maison de quelque 2 500 mètres carrés dans une opulence joyeuse et éclectique. 

Synonyme depuis 50 ans d’un fastueux art de vivre, l’agence d’architecture et de design d’intérieur Pinto signe la décoration d’une grande maison dans la Palmeraie de Marrakech. Bâtie sur deux niveaux dans un style marocain épuré par l’architecte tunisien Charles Boccara, cette demeure appartient à Fahad Hariri, alors client et désormais propriétaire et co-directeur artistique de l’agence. « Nous avions déjà livré sa maison à Londres et sa villa à Ibiza, deux projets réalisés presque à quatre mains avec lui. Architecte de formation et collectionneur, Fahad s’est toujours beaucoup impliqué dans ses projets, avec enthousiasme et exigence. » L’entente « parfaite et immédiate » dès la première collaboration a mené le fidèle client à racheter en 2020 l’agence qu’il connaissait par cœur, lorsque Linda Pinto, frère du fondateur Alberto Pinto, a souhaité se retirer.

Une décoration sur-mesure 

Toujours unique et de haute facture, chaque intérieur Pinto raconte une histoire particulière inspirée de la personnalité, des goûts et du style de vie de leur propriétaire – de prestigieux clients dans le monde entier. Dans ce nouveau projet résidentiel, l’idée était de rendre les codes très orientaux plus discrets et de créer un environnement joyeux et coloré à l’image du Maroc. Les seules contraintes consistaient à y mettre en scène les collections d’arts moderne et contemporain du client, mais aussi à conserver l’ambiance familiale et facile à vivre de cette maison. « Le plus remarquable était la dimension spectaculaire des pièces, qui offraient de grands volumes à décorer et à sublimer. Les matériaux existants étaient de grande qualité, ce qui a facilité notre travail et nous a permis de nous concentrer sur la décoration. »

« Notre signature se caractérise avant tout par le sur-mesure, avec une attention particulière portée au confort et aux détails. Les intérieurs Pinto sont presque toujours joyeux, colorés, éclectiques et généreux. »

Un univers coloré et joyeux 

L’agence Pinto est intervenue pour apporter de la couleur et de la joie à cette maison alors entièrement revêtue dans des tons de beiges, sans toutefois trop appuyer le trait. Elle s’y est attachée par un travail de peinture, avec l’ajout de filets de couleur sur les arrêtes des murs et le rehaut d’éléments architecturaux, puis le choix des tapis et des tissus. La palette étant largement inspirée des couleurs vibrantes et franches rencontrées au Maroc. Chaque chambre a ainsi sa couleur dominante : jaune, bleu, vert, violet… Le grand salon a quant à lui été rhabillé d’un rouge carmin, et la salle à manger parée d’un orange vif. 

« Fahad Hariri est un amoureux de sa maison. Il aime particulièrement y séjourner en hiver pour retrouver un peu de douceur dans ce qu’il considère être un havre de paix. »

Du mobilier vintage mâtiné de quelques touches orientales  

Pour rompre avec le style habituel des maisons marocaines, l’agence de décoration d’intérieur a opté pour des pièces de mobilier vintage des années 1960-70 qui se prêtent bien à la collection d’arts moderne et contemporain de Fahad Hariri. Quelques touches orientales ont été néanmoins conservées pour répondre à l’architecture des lieux. Dans l’ensemble de la maison, les tapis reprennent l’idée des pièces en laines traditionnelles issues de différents bains, créant des variations et des dégradés subtils de couleur. Mais aussi des lanternes, ainsi que des motifs de palmiers déclinés en peinture sur les murs ou en broderie de paille sur des rideaux ou des abat-jours. 

Si quelques adaptations intérieures ont été opérées, l’essentiel du travail structurel réalisé avec l’architecte de la maison a consisté en des adjonctions – un gymnasium, une piscine intérieure et un spa, ainsi que deux gazébos – et le déplacement de la piscine extérieure. Ces extensions ont changé l’allure générale de la maison, complétées par les aménagements extérieurs : le jardin a été ré-arboré par Madison Cox, une orangerie a été créée, ainsi qu’un jardin de cactées et un espace de jeu pour les enfants. « Travailler au Maroc est toujours une immense joie. L’artisanat fantastique qui s’y trouve, la douceur de vivre du pays… C’est un plaisir d’y retourner. » 

> Article à retrouver sur AD

Après l’inauguration en décembre 2021 d’une première boutique à New York et d’une troisième à Paris, l’enseigne de prêt à porter haut de gamme Officine Générale projette d’ouvrir plus d’une douzaine de boutiques d’ici trois ans, notamment sur le sol américain.

Après avoir ouvert sept boutiques à Paris, Londres et New York, Officine Générale poursuit son déploiement en France et aux États-Unis – un projet de longue date –, notamment grâce au soutien du fonds d’investissement américain Untitled Group, entré au capital de la société en mai 2021. Rencontre avec Pierre Mahéo, fondateur de la marque, et Vanessa Bonnefoux, directrice générale.

La French Touch : Comment vous organisez-vous pour coordonner plusieurs ouvertures en simultané ?

Pierre Mahéo : Pour tout gérer, en temps et en heure, il faut des équipes extrêmement motivées. Durant la pandémie, nous avons signé notre première boutique new-yorkaise – notre plus grande à date – par Zoom. On a ensuite dû suivre les travaux à 5 000 km de distance avec des GoPro !

Vanessa Bonnefoux : Comme on a ouvert beaucoup de commerces en France, en Europe et à l’étranger, notamment aux États-Unis, notre expertise nous permet de gagner du temps. Nous avons développé une véritable boîte à outils qui nous permet de gérer 3 ou 4 ouvertures en même temps.

LFT : Justement, quelles seront les prochaines villes à accueillir vos boutiques ?

PM : On finalise actuellement un point de vente à Los Angeles et on est en négociation pour en ouvrir un deuxième à New York. Ensuite, on compte s’attaquer à d’autres villes américaines. Parallèlement, on travaille sur différentes métropoles françaises : on a signé Aix-en-Provence et on s’intéresse aux villes de Lyon, Bordeaux et Lille. On arrive à gérer ces ouvertures en région de manière assez fluide. Si la charge de travail reste conséquente, ça reste plus facile d’ouvrir des boutiques dans son pays qu’à l’autre bout de la planète.

LFT : Comment vous êtes-vous entourés pour mener à bien toutes ces ouvertures ?

VB : Nous sommes accompagnés par un cabinet d’expertise comptable, qui fait partie d’un réseau avec lequel je collabore depuis presque 10 ans. Si nous avons toujours le même avocat, avec qui on travaille sur tous les sujets, même corporate, nous nous sommes aussi attaché les services d’un cabinet américain spécialisé dans les négociations pour nos ouvertures outre-Atlantique. Et je suis en train d’identifier un autre profil d’ avocat pour nous aider sur la partie corporate et mise en place de standards aux États-Unis.

PM : Sur ce genre de marché, difficile d’accès, il faut avoir le bon avocat, celui en qui vous avez entièrement confiance, afin de signer le meilleur bail pour la société.

LFT : Quels défis ou obstacles rencontrez-vous sur le sol américain ?

VB : Les États-Unis sont un pays d’intermédiaires. On n’a jamais les éléments en direct, tout prend du temps et coûte très cher . Par exemple, pour obtenir un simple Terminal de Paiement Electronique (TPE), il nous a fallu pas moins de cinq intermédiaires. Avant d’actionner quoi que ce soit, il y a donc beaucoup de négociations, de vérifications et de validations. Et ensuite, il faut faire preuve d’agilité pour surveiller l’avancement des opérations de manière très précise.

> Lire mon article sur le site de La French Touch